Especial Teatro Clásico de Mérida

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Lleno y éxito absoluto en el estreno de Medea. 20 Agosto. 23:00 horas

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medea1Dicen que Blanca Portillo posee el pulso y el instinto trágico, y que esta Medea pasará a ser, dicen, junto a la de Xirgu y la de la Espert, patrimonio universal. No se debe poner en duda, porque su director, Tomaz Pandur, un joven y exquisito director esloveno, lo conseguirá con una puesta en escena arrebatadora y en exclusiva para el Festival de Mérida.

Medea descuartizará a su hermano para poder huir con su amado Jasón; para no ser humillada como esposa, lo abandonará, y para poder ser libre como mujer, tendrá que asesinar a sus hijos. A pesar de este infierno, los dioses la protegen y la salvan. Cuando Eurípides presentó esta tragedia a la sociedad ateniense, ésta le reprochó su audacia en el tratamiento mitológico del tema, y todavía, esta metáfora escénica sobre la libertad continúa provocando asombro en el público.

medea2El viaje de las leyendas doradas desde el este hasta el universo, pasando por los Balcanes

Medea es la figura central de uno de los mitos fundamentales del mundo: LOS ARGONAUTAS y EL VELLOCINO DE ORO. El secreto de este mito aún no ha sido desvelado; un velo de misterio aún lo cubre, ya que ese mito permanece aún sin resolverse. Los protagonistas de esta historia, el antiguo héroe Jasón, realmente no podría existir sin Medea, porque ella lo convierte en el personaje principal de la historia; más importante aún que su papel en el heroico viaje con los Argonautas en busca del divino Vellocino de oro, fuente de poder y autoridad.

medea3Paradójicamente, el robo del Vellocino no le proporcionó a Jasón ni el reino ni el poder que buscaba, ni siquiera tuvo la capacidad de predecir si la hechicera Medea lo sabía, cuando traicionó a su padre y a su hermano al permitir que el extranjero Jasón, por el que estaba locamente enamorada, lo consiguiera. Como hechicera, al menos es posible que intuyera el gran secreto que guardaba el dragón del bosque sagrado. Escapando con su amado y el Vellocino de oro de sus perseguidores, Medea realizó con los Argonautas y su barco Argo un viaje milagroso, que algunos de los investigadores de los Balcanes determinan como la posible frontera cultural y política de esa zona.

medea4Medea, enamorada, traicionada y obligada a llevar a cabo una sangrienta venganza, traicionó a su padre y a su hermano, mató a sus propios hijos y a sus adversarios, pero no pudo ganarse el amor de Jasón a quien ayudó con sus artes mágicas a conseguir ese símbolo de poder y autoridad. Pero el poder prometido fue inalcanzable. Para obtenerlo tuvo que engañar, vendiendo su propio cuerpo (matrimonio por interés), provocando la trágica caída de Jasón, que tuvo que viajar exiliado naufragando en las costas mediterráneas donde murió olvidado. Los Argonautas serán recordados por su odisea, que dibujó entonces las fronteras, que son hoy el objeto de interminables luchas políticas. No se podría recordar a Jasón si no hubiera sido por Medea, que se lo dio todo: amor, sus hijos, poder… y aún así, él no pudo pagárselo ni con un poco de ternura. Ella lo sacrificó todo por él: su tierra, su gente, su familia, su nombre y su honor. Por ella, él no quiso sacrificar su sueño de poder. Medea se recordará siempre por la tragedia de Eurípides, base sobre la que otros dramaturgos escribieron sus dramas: Séneca, Ovidio, Corneille, Grillparzer y Anouilh. La historia de Medea es, en esencia, una tragedia íntima de un amor desgraciado.

medea5Es en los Balcanes donde hoy viaja el espíritu de Medea para preguntar por qué Jasón tuvo que embarcarse hacia la Cólquida. La respuesta ha sido ansiosamente esperada sin saber en qué fallaron los Argonautas. Pero no existe una respuesta. Los Balcanes mantienen su respiración en la oscuridad de sus planicies, en la niebla de sus bosques y en el murmullo de sus aguas. La respuesta que falta no cesa en su propio grito de miles de años.

Tomaz Pandur (Director) y Dr. Darko Lukic

Nacido en Eslovenia (ex-Yugoslavia) Tomaz Pandur cursó estudios de teatro, cine y televisión en la universidad de Ljubljana, donde creó la compañía de teatro Thespis Cart, cuyos montajes pronto llamaron la atención de los críticos.

En 1989 montó Scheherezade en el Teatro Nacional Mladinsko de Ljubljana, montaje en el que por primera vez intentaba fundir las tradiciones de Oriente y Occidente. Fue un triunfo: la producción ganó todos los premios de teatro relevantes en los festivales de Yugoslavia y se representó en muchos festivales de toda Europa a lo largo de siete años. Pero fue en 1989, a la edad de 26 años, cuando la carrera profesional de Pandur dio un giro sin precedentes. Apenas descubierto, fue nombrado director del Teatro Nacional Esloveno de Maribor, su ciudad natal. Durante sus siete años como director y productor dirigió obras de Goethe y Shakespeare, de Dante y Dostoievski, un proyecto sobre Carmen y Babylon, un cuento mitológico. Sus éxitos fueron muchos y Maribor se dio a conocer en toda Europa como uno de los pilares culturales de la producción teatral europea.

medea6Con su compañía ha recorrido numerosos festivales de Europa y América para presentar sus producciones: Faust I & II, Hamlet: North-Northwest, Carmen: An Afternoon at the Brink of European History,La Divina Comedia: Infierno, Purgatorio, Paraíso, Russian Mission y Babylon. En 1997 escenificó Silence of the Balkans, concierto de Goran Bregovic al aire libre, como parte de la programación de Salónica, capital europea de la cultura.

Pandur ha sido merecedor de numerosos premios internacionales de teatro. En la actualidad vive entre Ljubljana, Madrid y Nueva York.

Protagonistas: Blanca Portillo (Medea), Julieta Serrano (Nodriza), Alberto Jiménez (Jasón), Asier Etxeandía (Centauro Quirón)

Reparto: Damià Plensa, Aitor Luna, Eduardo Mayo, Santi Marín, Rafa Rivero, Aaron Lobato, Salvador Masclans, Carlos Brau (Argonautas); Edurne Arizu Delgado, Florencia Aragón, Leire Olarán, Ana Crouseilles, Pilar Crespo, Noemí Pérez (Mujeres de la Cólquide)

Dirección: Tomaz Pandur
Versión: Tomaz Pandur, Darko Lukic y Livia Pandur
Espacio escénico: Sven Jonke (Numen)
Vestuario: Angelina Atlagic
Coreografía: Ronald Savkovic
Música: Boris Benko y Primoz Hladnik (Silence)
Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Espacio sonoro: Mariano García
Directora de producción: Chusa Martín

Estreno de Edipo, una trilogía a partir de ‘Edipo rey’, ‘Edipo en Colono’ y ‘Antígona’ de Sófocles. 12 Agosto. 23:00 horas

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Edipo es el nombre de una gran inversión del sentido. Nadie como él encarna la paradoja de la célebre máxima délfica: “Conócete a ti mismo”. ¿Por qué una orden tan absurda? ¿Cómo podría uno escapar a la propia mirada? Edipo es la respuesta a estas preguntas. Con él la identidad -lo que tenemos más cerca, lo que mejor conocemos- se vuelve un problema. Lo más visible ya no se distingue de lo más secreto. Lo que parecía tan sencillo se vuelve una búsqueda sin fin. Lo trágico resulta inherente al bien más íntimo del ser mortal: la propia conciencia. La historia de Edipo es la del ser humano como desconocimiento original, o la del “Conócete a ti mismo” como exhortación paradójica y tarea infinita. Edipo tiene que investigar sus orígenes, no puede ni quiere dominar la energía de su deseo de saber. Su lucidez es inseparable de la ceguera. Así como en el fondo de toda retina hay una mancha ciega, insensible a la luz, que corresponde al lugar donde el nervio óptico abandona el ojo para adentrarse en el cerebro, del mismo modo el pensamiento lleva consigo a todas partes un punto focal que está fuera de su alcance pero sin el cual no existiría. En tal sentido, el antiguo rey de Tebas, y la fuerza investigadora de su pensamiento, se yerguen en el umbral de la modernidad de Occidente.

Edipo es el nombre de una encrucijada, el momento deslumbrante en que un hombre se descubre asesino de su padre, esposo de su madre, hermano de sus hijos. Es el salvador de la ciudad y el criminal impuro que la mancilla. El más lúcido y el más ignorante de los mortales. El rey y el mendigo, el huérfano de tobillos mutilados (‘Oidi-pous’, “pie-hinchado”) y el héroe que derrota a la Esfinge. El indígena y el extranjero, el exiliado ciego portador de potencias extraordinarias. Edipo es el cruce de caminos contradictorios. No debería haber sido pero es, y recorre las posibilidades del ser humano de uno a otro extremo, de lo monstruoso a lo divino. El ojo abierto por él no se ha cerrado nunca.

edipoEdipo es el nombre de un enigma. La invención en la ciudad griega del ‘theatron’, “lugar para ver”, fue el comienzo de un plan de visibilidad, de un mecanismo de exposición en el cual inscribir e interpretar las historias de la ‘polis’ a fin de llevar a un grado inédito de comprensión colectiva las acciones que en ella se desarrollan. Leonardo decía que la pintura es “cosa mental”, también lo son este plan y este mecanismo. Lo son al igual que el espacio de la escritura o de la geometría -puro medio de demostración abstracta, pública y accesible, abierta por derecho a todos-. En el repertorio trágico Edipo es el personaje en el que se plantea abiertamente la cuestión de la mirada, de sus poderes y de sus límites. El teatro griego abre la mirada: en el espacio desplegado se exponen, con Edipo, los límites de la mirada. Edipo, invención griega, es la figura teatral en quien se ha revelado la vocación (o la fatalidad) que vuelve contra sí misma la voluntad de ver y de saber.

Georges Lavaudant ya ha trabajado Sófocles anteriormente. ‘Ajax/Philoctète’ (1977) y ‘La mort d’Hercule’, a partir de ‘Les Trachiniennes’ (2007-2008), le han permitido familiarizarse con esta escritura tan particular, intensa y tranquila, lapidaria y atormentada. En torno a Edipo, Lavaudant ha deseado recrear una “trilogía imaginaria” a partir de tres tragedias que Sófocles dedicó al ciclo tebano: ‘Edipo rey’ y ‘Edipo en Colono’ -que ofrecen en díptico los puntos culminantes de destino del rey-monstruo- pero también ‘Antígona’, donde su imposible sucesión es llevada hasta límites catastróficos. Dos piezas, pues, en las que Edipo está presente, una tercera en la que desaparece para dejar que Creonte (su tío y cuñado, siempre presente a lo largo de la trilogía) suba al trono y se estrelle a su vez contra el muro abrupto de la tragedia. Pero es el conjunto del espectáculo el que revive la gran figura de Edipo -como si no cesara jamás, incluso más allá de la muerte, de volver en sueños sobre su propio destino-.

Desde 1996 hasta 2007 Georges Lavaudant fue el director artístico del Teatro Odeón-Teatro de Europa en París, creando espectáculos muy considerados por la crítica y el público. La Rose et la Hache según Shakespeare y Carmelo Bene, fue entonces un verdadero acontecimiento europeo. Invitar a este director es un lujo para Mérida, y más: un lujo para él poder poner en la escena del Teatro romano esta refundición de los textos de Edipo rey, Edipo en Colono y Antígona de Sófocles, en una traducción del escritor Eduardo Mendoza.

Georges Lavaudant nace en Grenoble en 1947. Estudió Filología en dicha Universidad. Ya en sus comienzos teatrales alternaba montajes de grandes clásicos con textos personales y contemporáneos. Pero el teatro de Georges Lauvadant ha evolucionado de tal manera que es difícil clasificarlo en períodos definidos. No obstante, su carrera se puede dividir en tres ciclos de diez años cada uno, en función de las instituciones que ha dirigido.

El primero comenzó en 1976, cuando Georges Lavaudant fue nombrado codirector del Centro Dramático Nacional de los Alpes de Grenoble.

El segundo empezó en 1986, en la etapa TNP, donde Georges Lavaudant es designado codirector del TNP-Villeurbenne en compañía de Roger Planchon, y ese mismo año, dirige en México El Balcón, de Genet.

Y el tercer período es el de la época del Odeón. En marzo de 1996, es nombrado director del Odéon-Théâtre de l’Europe. Despidiéndose de este teatro el 21 de abril de 2007 con un reestreno excepcional de La Rose et la Hache. Desde entonces continúa su trabajo artístico con su propia compañía, entre cuyas últimas creaciones cabe destacar especialmente Play Strindberg, de Friedrich Dürrenmatt, en el Teatro de la Abadía de Madrid, con José Luís Gómez, Nuria Espert y Lluís Homar, y su último montaje Hay que purgar a Totó, de Georges Feydeau, estrenado en el Teatro Español de Madrid.Este tercer mandato de Georges Lavaudant al frente del Odéon llegó a su fin el 28 de febrero de 2007, pero siguió siendo responsable artístico de la temporada en curso hasta junio de ese mismo año. Tras despedirse del público de este teatro el 21 de abril de 2007 con un reestreno excepcional de La Rose et la Hache, continúa desde entonces su trabajo artístico con su propia compañía, entre cuyas últimas creaciones cabe destacar especialmente Play Strindberg, de Friedrich Dürrenmatt, en el Teatro de la Abadía de Madrid, con José Luís Gómez, Nuria Espert y Lluís Homar. Su último trabajo es Hay que purgar a totó, de Georges Feydeau

Reparto por orden de intervención: Eusebio Poncela (Edipo), Pedro Casablanc (Creonte), Miguel Palenzuela (Tiresias), Rosa Novell (Yocasta), Luis Hostalot (Mensajero), Laia Marull (Antígona), Noelia Benítez (Ismene), Fernando Sansegundo (Teseo), Críspulo Cabezas (Polinices/Hemón)

Figurantes: Esteban Tolosa (Polinices muerto), Tino Fernández, Antonio Javier Gómez, Juan Manuel Gómez, Rubén Mingo

Equipo artístico
Realización vestuario: Sastrería Cornejo
Caracterización: Chema Noci
Realización postizos: Antoñita, Vda. de Riuz
Construcción escenografía: Proescen, Creators of Legend Escenografía:Luis Rosillo Atrezzo
Ayudante vestuario: Brigitte Tribouilloy
Asistente iluminación Toño M. Camacho (Tecnifront)
Diseño sonido: Mario Goldstein (Tecnifront)
Diseño video: Eugenio Szwarcer
Banda sonora: José Antonio Gutiérrez con la colaboración de Luc Guillot
Ayudante de dirección: Luis Blat
Escenografía y vestuario: Jean Pierre Vergier
Traducción y adaptación del griego: Daniel Loayza
Traducción del francés: Eduardo Mendoza
Dirección de escena e iluminación: Georges Lavaudant

Equipo técnico
Maquillaje y peluquería: Montse Ortega
Utilería: Luis Rosillo
Proyecciones: Curro Soria
Luces: Víctor Martín
Sonido: José Antonio Ruiz
Maquinaria: Olga Villanueva, Carlos Martínez
Regiduría: Nieves Garcimartín
Director técnico: Toño M. Camacho (Tecnifront)
Producción: Laura Varela
Producción ejecutiva: Elsinor

Una coproducción del Teatro Español de Madrid y Grec 09 Festival de Barcelona con la colaboración del Festival de Mérida

Estreno de Los Gemelos de Plauto. 29 Julio. 23:00 h.

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¿Otra vez Plauto? Pues, sí; pero ahora con Los Gemelos; una obra nunca estrenada en Mérida. Con la intención de ir sumando textos inéditos del repertorio grecolatino, y con la voluntad de ofrecer al público comedías de puro divertimento, se ha invitado a la directora Tamzin Townsend a dirigir esta admirable comedia. Comenta esta directora inglesa que ha montado a Shakespeare, y se lo conoce al dedillo, que el bardo inglés copió al latino en su Comedia de los errores, y apostilla muy reconfortada, que el inglés no pudo superarlo. La versión ha sido encomendada a nuestro más reconocido y premiado autor: Miguel Murillo; una solvente garantía.

Tamzin Townsend comenta que “hace tiempo había soñado poder dirigir en el Festival de Mérida, uno de los espacios más mágicos que tiene este país. Así que la oferta de Francisco Suárez de dirigir una comedia este verano supone un auténtico regalo para mi”.

Junto con el productor Javier Esteban, hemos dado vueltas buscando la comedia perfecta… y la hemos encontrado en Los Gemelos, de Plauto.

Esta fantástica comedia, escrita en su época de madurez, es una de sus obras más exitosas y de mayor influencia. Sin ir más lejos la tenemos como guía o patrón de la obra de Shakespeare La comedia de los errores y, desde luego, toca todas las teclas para ser una comedia perfecta. Es una obra principalmente de equívocos: dos gemelos separados al nacer se buscan en una ciudad costera, anárquica y festiva, donde el placer y la diversión priman sobre cualquier otra cosa.

Con diez actores de alto nivel, músicos en directo, acróbatas y bailarines realizaré un montaje vital y colorista, lleno de energía y de sorpresas, donde la felicidad y la risa será nuestro máximo objetivo.

Tamzin Townsend

Montajes más destacados: En compañía de Lobos, de Angela Carter. The Penny Theatre, Canterbury, Kent. El inspector del gobierno, de Gogol. The Mary Ward Center. Quand era petita, de Sharman MacDonald. El diario de Ana Frank de Francis Goodrich y Albert Hackett. Macbeth, de William Shakespeare. Pati Manning. Palabras encadenadas y el Método Gronholm de Jordi Galcerán. La comedia negra, de Peter Shaffer. Closer, de Patrick Marbar. Pequeños crímenes conyugales de Eric Emmanuel Schmitt. Gorda, de Neil Labute. El Sueño de una noche de verano, de W. Shakespeare. Un Dios Salvaje, y Días de vino y rosas

Información sobre la obra

Del 29 de julio al 2 de agosto y del 5 al 9 de agosto a las 23 horas

Actores principales: Marcial Álvarez (Sosicles, gemelo 1), Jesús Noguero (Menecmo, gemelo 2), Secun de la Rosa (Messenion), Víctor Clavijo (Peniculus), Diana Peñalver (Esposa), Pedro Miguel Martínez (Viejo), Cecilia Solaguren (Erotia), Fran Arráez (Cocinero), Mario Sánchez (Médico), Lola Velacoracho (Esclava)

Músicos: Pavel Sakuta (violín), Alexey Marchenkov (guitarra), Javier de Torres (batería)

Acróbatas: Elena Lucas Acero, Elena Sánchez Nevado, Diego Díaz Veas, Raúl Delgado Rodríguez

Dirección: Tamzin Townsend
Versión: Miguel Murillo y Tamzin Townsend
Espacio escénico: Ricardo Sánchez Cuerda
Realización escenografía: Mambo y Leblanc
Vestuario: Chari Esteban
Realización vestuario: Cornejo
Iluminación: José Manuel Guerra
Coreografía: Cristina D. Silveira
Maestro de acrobacias: Diego Díaz Veas
Coordinador de acrobacias: David Sánchez
Danza y acrobacias: Karlik Danza-Teatro

Secretaria de producción: María Fernández
Gerencia y producción: Ángel Borge
Productor ejecutivo: José Carlos Esteban
Director de producción: Javier Esteban

Estreno de Diana y Acteón. 22 Julio. 23:00 h.

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Ballet constituido en abril de 2008, Corella Ballet Castilla y León es la única compañía de Danza Clásica que hay actualmente en España.

Creado por y bajo la dirección artística de Ángel Corella está integrado por 40 bailarines, seleccionados entre más de mil aspirantes procedentes de 13 países (España, Cuba, Estados Unidos, Reino Unido, Italia, Canadá, Irlanda, Japón, Lituania, Rusia, Portugal, Argentina y Kazajstán).

Corella Ballet es una de las iniciativas que está poniendo en marcha la Fundación Ángel Corella con el propósito de promover la danza clásica en España, y forma parte de un proyecto más amplio que incluye la creación de una Residencia Escuela de Danza que formará a bailarines de alto nivel. Al tiempo, servirá de cantera para el propio Corella Ballet para así mantener el estilo y la excelencia de la Compañía.

La motivación de su creación responde al deseo de Ángel Corella de abrir puertas dentro de España para que los bailarines clásicos puedan desarrollarse profesionalmente sin necesidad de salir al exterior, y así frenar el éxodo de bailarines que se produce desde hace dos décadas y que el propio Corella experimentó.

Programa e información

Del 23 al 25 de Julio – 23 horas

CORELLA BALLET Castilla León acompañado de Clear, Romeo y Julieta. Pas de deux y Bruch violin concerto nº 1

Principales: Adiarys Almeida, Carmen Corella, Natalia Tapia, Ángel Corella, Herman Cornejo, Iain Mackay

Primeros solistas: Kazuko Omori

Solistas: Cristina Casa, Ashley Ellis, Mª José Sales, Fernando Bufalá, Joseph Gatti, Kirill Radev, Yevgen Uzlenkov

Cuerpo de baile: chicas: Alexandra Basmagy, Ana Cabral, Ana Calderón, Yoko Callegari, Irene Campillo, Alba Cazorla, Tracy Jones, Carla López, Marta Ludevid, Georgia Molina, María Sordo, Irene Vaqueiro, Carrie Walsh; chicos: Ion Agirretxe, Yerlan Andagulov, George Birkadze, Russell Ducker, Sergey D’yachkov, Daniel Fajardo, Luca Giaccio, Toby Mallitt, Iván Sánchez, Roberto Sánchez

Departamento artístico
Director artístico: Ángel Corella
Subdirectora artística: Carmen Corella
Coordinación artística: María L. Eirín
Ballet masters: Silvia Bazilis & Hugo Valía
Asistente dirección artística y prensa: Purificación Prieto
Pianista: Victoria Glushchenko
Asistente de producción: Mª Luz Muñoz

Departamento administrativo
Directora general: Carolina Baviano
Gerente-manager: Matthew Bledsoe
Patrocinio: Clara Bañeros y Carmen Espinilla
Administración: Ruth Sanz

Departamento técnico
Director técnico: Marc Bartolo
Regiduría: Julia Bofarull
Iluminación: Diego Acera Bofarull
Maquillaje y peluquería: Mara Corella
Vestuario: Alicia Radvanska

Jasón y los Argonautas en el Festival de Mérida

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Este espectáculo de carácter infantil, como cada año, patrocinado por la Asamblea de Extremadura, se crea para iniciar a los más jóvenes en el conocimiento de los mitos grecolatinos y así propiciar la formación básica de nuestros futuros espectadores.

El Centro de Producción del Festival de Mérida y Verbo Producciones se harán cargo de este montaje escrito y dirigido por Ana García, una sensible artista extremeña. La leyenda del ambicioso Jasón viene como ejemplo de lo que no se debe hacer nunca: arrebatar a ningún pueblo su identidad ni su cultura.

Lugar: ANFITEATRO ROMANO

Horario 20, 21,27, 28 de julio y 3 y 4 de agosto a las 23 h.

Dramaturgia y dirección: Ana García
Compañía: Verbo Producciones
Producción: Centro de Producción del Festival de Mérida y la colaboración de la Asamblea de Extremadura

Un lugar como éste

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es el lugar perfecto, para disfrutar de una buena obra de teatro

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